Monday, November 2, 2009
ORALE CHAMACOS DEL BIEN Y DEL MAL -DIJO LA CATRINA-
NO SEAN MONTONEROS NI DESESPERADOS
QUE CADA UNO TENDRA SU DANZON CONMIGO
NO SE ME SIENTAN SI NO LES LLEGO PRONTITO
YA LES LLEGARA SU TURNITO.
ASI QUE CHANCLEENLE , DENLE A LA PUNTA Y AL TACON
APROVECHEN LA MUSICA Y LA FIESTA
QUE YO LES LLEGARE DE SOPETON!
Thursday, October 22, 2009
Tuesday, October 20, 2009
LA SENCILLEZ Y LA CREATIVIDAD INVENTAN MUNDOS SORPRENDENTES
Fuente: www.youtube.com
The official video for the new single. To read about how it was made, check out Coldplay.com's interview with directors Shynola - http://www.coldplay.com/newsdetail.php?id=448
MUSEO DE ARTE DE DENVER
Ubicado en Denver, estado de Colorado (EEUU), se encuentra el prestigioso Museo de Arte de Denver, el cual obtuvo una importante reforma que cambió por completo su aspecto, atrayendo a numerosos curiosos y filántropos del arte.
Esta peculiar ampliación de unos 44.500 metros cuadrados, doblega casi su superficie inicial, materializándose en un sinfín de líneas y diagonales angulosas que atraviesan la superficie, rompiendo con el entorno de una manera poco común, demostrando que el Museo de Arte de Denver no se queda atrás a la hora de presentar un diseño innovador que vaya acorde con sus exposiciones albergadas.
El proyecto fue realizado por el estudio arquitectónico Daniel Libeskind, el cual planteó una estructura compuesta por grandes planos que conforman un nuevo ala en el edificio, separándose por un pasaje peatonal de 30 metros de longitud.Estos planos angulares culminan completamente en forma de gran voladizo que apunta hacia el edificio Ponti, reflejando con gran brillo el entorno, gracias a sus placas compuestas por titanio, cristal y piedra (provenientes de Colorado). En el centro de esta estructura se encuentra un gran espacio de acceso revestido completamente con cristal que posee un gran puente que comunica con el primer edificio. Este mismo también se comunica con el Restaurante del Museo, ubicado en el último piso del ala Morgan.
Gracias a esta nueva conexión que se realizó en el Museo, el mismo ahora cuenta con una superficie de más de 100.000 metros cuadrados, finalizando en el año 2006, y consagrándose como uno de los edificios más raros del mundo.
INTERVENCION DE ESPACIO
555 KUBIK Facade Projection
July 23rd, 2009555 KUBIK was the title of a facade video projection at the Kunsthalle in Hamburg (Germany), taking place last May. The idea behind it was: “How it would be, if a house was dreaming”. Daniel Rossa was responsible for the art direction and decided to use some visualisations of the inside of the building together with other animations. The facade isn’t that exciting itself, but the projection takes it to a new level.
Maybe you remember the facade projection “Augmented Space” by Pablo Valbuena, which he did in The Hague (The Netherlands) last year. It’s very similar, but the animation is much more reduced. And I think the building in The Hague is actually more interesting. You can see some videos here.
But you should watch the 555 KUBIK video first.
PROYECTO EN FACHADA
Fuente: vimeo.com
555 KUBIK "How it would be, if a house was dreaming" The conception of this project consistently derives from its underlying architecture - the theoretic conception and visual pattern of the Hamburg Kunsthalle. ...
Sunday, August 30, 2009
UN SUEÑO DE CHILLIDA
Un sueño Tinadaya es un sueño. Una noche de 1990 Eduardo Chillida se despertó con la idea de trabajar directamente en el interior de una montaña, de sacar la piedra para meter el vacío. Días más tarde, relató aquella sensación en una radio francesa, y le llovieron ofertas para visitar colinas en Finlandia, Suiza y Sicilia. Fue el arquitecto Fernández Ordóñez quien finalmente descubrió la montaña del diablo o de las brujas, como denominan a Tindaya los lugareños del municipio de La Oliva. Aquella montaña que surgía del mar entre acantilados de basalto negro, se dijo Chillida, era el lugar ideal para un proyecto concebido en homenaje a la tolerancia y a la hermandad entre todos los hombres. La primera vez que el escultor vasco pensó en trabajar una escultura desde dentro de la materia fue en los años setenta, cuando trabajaba con profesor en la Universidad de Harvard. Releyendo la obra de Jorge Guillén, con el que compartía el proyecto de un libro, se inspiró en Más allá, en el verso donde el poeta afirma que lo profundo es el aire, para realizar una serie de grabados sin tinta, donde la imagen queda impresa mediante el sello seco. «Repetí mentalmente el comentario que me produjo la primera vez que la leí: 'Amigo Jorge, eso será tuyo pero también es mío porque yo me he pasado la vida buscando en el espacio'», ha reconocido Eduardo Chillida. El proyecto de Tindaya comparte además otro aspecto presente en la obra del escultor guipuzcoano: la unión del arte y la naturaleza, lo que encuentra antecedentes en El peine de los vientos y en el Elogio del Horizonte, en Gijón. |
Saturday, August 29, 2009
CHILLIDA
Eduardo Chillida Juantegui nace el diez de enero de 1924 en San Sebastián. Tercer hijo de Pedro Chillida y su mujer, la soprano Carmen Juantegui, a los 19 años comienza la carrera de Arquitectura en la Universidad de Madrid; antes, en su ciudad natal fue portero titular de fútbol de la Real Sociedad. En pocos años decide abandonar los estudios de Arquitectura para dibujar en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Realiza sus primeras piezas en escultura.
Su obra empieza a tomar cuerpo cuando se traslada a París y realiza sus primeras esculturas en yeso, impresionado por la escultura griega arcaica del Museo del Louvre. Comienza su amistad con el pintor Pablo Palazuelo.
En 1950 se casa con Pilar Belzunce en San Sebastián. Juntos se trasladan a Vellennes-sous-Bois, en la región de Seine-et-Oise (Francia). Un año después nace el primero de sus ocho hijos y pronto la familia regresa definitivamente a San Sebastián. Chillida comienza a trabajar en la fragua de Manuel Illarramendi, en Hernani. Realiza la primera pieza en hierro, Ilarik.
La obra del escultor Eduardo Chillida se caracteriza por su introducción en los espacios abiertos, integrándose para formar parte de ellos. Así, sus esculturas salen de su encierro en los museos, «toman la calle» y se acercan a cualquier persona que lo desee. Por ejemplo, El peine de los vientos se abre al mar de San Sebastián; la Plaza de los Fueros de Vitoria hace desear al espectador introducirse en ella para desvelar sus misterios... Y así también Lo profundo es el aire, del Museo de Escultura Española del Siglo XVII, en Valladolid; su Puerta de la Libertad, del barrio gótico de Barcelona; y, la que tal vez sea su obra más emblemática, Gure Aitaren Etxea, en Gernika.
A lo largo de su vida, Chillida recogió infinidad de condecoraciones y de premios, además de participar en centenares de exposiciones alrededor del mundo entero. Por ejemplo, la Bienal de Venecia (1958), el premio Carnegie (1965) o el Rembrandt (1975).
También le fueron otorgados el Príncipe de Asturias en 1987 y la Orden Imperial de Japón en 1991. Asimismo, recibió la distinción como académico de Bellas Artes en Madrid, Boston y Nueva York, y la de convertirse en Doctor Honoris Causa por la Universidad de Alicante (1996). Ahora, gran parte de su obra, quizá las piezas más queridas por el autor, pueden disfrutarse en el Chillida Leku, un museo a la medida de sus obras: al aire libre, en un paisaje privilegiado donde obra y medio se integran a la perfección, o dentro del recinto, donde las manos quieren tocar esas obras llenas de secretos y sorpresas, a través de las cuales se puede observar la realidad desde una nueva perspectiva.
Su familia siempre estuvo de su lado no sólo en lo personal, sino también en lo profesional. Además de heredar el gusto por el arte, su mujer e hijos lo impulsaron para sacar adelante proyectos tan ambiciosos como el Chillida Leku y la montaña mágica de Tindaya.
El día 19 de agosto de 2002 falleció en su ciudad de San Sebastián, en su casa del Monte Igueldo.
ANTONIO TáPIES
Pintor y escultor español, nacido en Barcelona, uno de los líderes del informalismo español, cuya influencia será decisiva a nivel internacional. Tàpies inicia su trayectoria artística en el año 1945, tras abandonar sus estudios de derecho y después de una convalecencia por una enfermedad pulmonar que le posibilita el reposo físico y psíquico necesario para el estudio y la reflexión intelectual. Es entonces cuando se acerca a la obras de filósofos como Friedrich Nietszche, Miguel de Unamuno y Arthur Schopenhauer, poetas como Edgar Allan Poe, músicos como Richard Wagner o Robert Schumann, y artistas como Vincent van Gogh o la época surrealista de Pablo Picasso. Poco después descubriría a Jean Paul Sartre, cuyo existencialismo marcaría su trayectoria vital y artística. Sobre la base del surrealismo funda en 1948, junto a un grupo de jóvenes artistas e intelectuales catalanes, el grupo Dau al Set, que plantea una opción artística y cultural vanguardista de ruptura con las corrientes convencionales que se desarrollaban por entonces en España. En 1950 se le concede una beca de estudios en París, donde toma contacto con las ideas revolucionarias de izquierda y con la pintura abstracta. Ese mismo año realiza su primera exposición individual. En 1951, Tàpies se desliga del grupo Dau al Set e inicia una evolución individual, optando por una línea informalista, abstracta, basada en las investigaciones sobre la materia pictórica como medio expresivo artístico, impone como valor total la materia frente a la forma. De ahí que su obra sea exponente de primer orden de la corriente matérica informalista. A lo largo de su trayectoria utiliza diversos procedimientos. En el collage mezcla elementos heterogéneos con la pasta pictórica aplicada directamente del tubo en forma de empastes gruesos y granulosos, sobre los que realiza huellas, incisiones, surcos y grietas, con los dedos y otros medios. Otras veces usa el grattage, que consiste en el rascado o rayado de superficies como cartón. El objetivo final es una pintura de relieves, orográfica, recreándose en la presentación de texturas rugosas, porosas o granulosas (matéricas en definitiva) que contrastan con superficies lisas, como se observa en su obra Blanco craquelado (1956).
A partir de 1953 hace uso de la técnica denominada mixtura, consistente en la mezcla de pintura al óleo con polvo de mármol, cuya finalidad es, de nuevo, resaltar el carácter matérico de la obra, como en Negro con mancha roja (1954). Otras veces emplea el encolado de superficies. En sus obras se repiten una serie de signos e imágenes que pertenecen al universo simbólico e interior del artista, con claras alusiones al universo, la vida, la muerte o la sexualidad. Entre ellos aparecen en sus composiciones figuras geométricas, más o menos difuminadas o distorsionadas, como el óvalo (Óvalo blanco, 1957), el círculo, el cuadrado (Puerta gris, hacia 1958), más tarde el triángulo (Forma triangular sobre gris, 1961), signos como la cruz, constante a lo largo de su carrera, que puede ser griega, latina, en aspa (Gran equis, 1962), en forma de T, ésta última asociada a la inicial de su apellido, números, letras, entre otros. En este sentido cabe citar Materia negra sobre saco (1960) y Cuerdas entrecruzadas sobre madera (1960). A partir de 1962 comienza una etapa en la que se produce la integración en la obra de objetos cotidianos como cuerdas, platos (Montón de platos, 1970), paja, junto a signos antropomórficos (pie, mano, dedos), como se observa en Blanco con pisadas, que denota un interés por plasmar la huella y presencia humana en sus obras, también aparecen temas y símbolos de carácter sexual (órganos sexuales masculinos y femeninos, paja, mantas, cama…) como en Paja sobre tela. Su gama cromática ha oscilado entre el monocromatismo y colorido neutro con predominio de grises, negros, blancos y ocres y la inclusión de un colorido más vivo, con rojos, naranjas, rosas, amarillos y azules. A partir de la década de 1970 su obra presenta heterogeneidad estilística y, si bien sigue cultivando el informalismo, a veces presenta una realidad objetual integrada por la presentación de elementos cotidianos, por ejemplo en Materia gris en forma de sombrero. Tàpies ha sido considerado precursor del arte povera. Desde la década de 1950 su obra ha gozado de reconocimiento internacional, reflejado en el hecho de la organización de exposiciones sobre su obra por parte de grandes museos y galerías de arte del mundo entero. En 1958 recibió el Premio Carnegie y en 1967 el de la Bienal del Grabado de Ljubljana. Son también numerosos los estudios teóricos realizados por especialistas sobre su obra. Además, ha realizado cerámicas, tapices y esculturas, entre las que cabe destacar su mosaico de la plaza de Sant Boi de Llobregat (Barcelona), sus esculturas públicas Homenaje a Picasso y Núbol i cadira (Nube y silla), ambas inauguradas en Barcelona en 1990, y su polémico Calcetín (1992), de 18 m de largo. En 1990 se inauguró en Barcelona la Fundación Tàpies, creada por iniciativa del propio artista para fomentar y difundir el conocimiento del arte contemporáneo, así como para
A partir de 1953 hace uso de la técnica denominada mixtura, consistente en la mezcla de pintura al óleo con polvo de mármol, cuya finalidad es, de nuevo, resaltar el carácter matérico de la obra, como en Negro con mancha roja (1954). Otras veces emplea el encolado de superficies. En sus obras se repiten una serie de signos e imágenes que pertenecen al universo simbólico e interior del artista, con claras alusiones al universo, la vida, la muerte o la sexualidad. Entre ellos aparecen en sus composiciones figuras geométricas, más o menos difuminadas o distorsionadas, como el óvalo (Óvalo blanco, 1957), el círculo, el cuadrado (Puerta gris, hacia 1958), más tarde el triángulo (Forma triangular sobre gris, 1961), signos como la cruz, constante a lo largo de su carrera, que puede ser griega, latina, en aspa (Gran equis, 1962), en forma de T, ésta última asociada a la inicial de su apellido, números, letras, entre otros. En este sentido cabe citar Materia negra sobre saco (1960) y Cuerdas entrecruzadas sobre madera (1960). A partir de 1962 comienza una etapa en la que se produce la integración en la obra de objetos cotidianos como cuerdas, platos (Montón de platos, 1970), paja, junto a signos antropomórficos (pie, mano, dedos), como se observa en Blanco con pisadas, que denota un interés por plasmar la huella y presencia humana en sus obras, también aparecen temas y símbolos de carácter sexual (órganos sexuales masculinos y femeninos, paja, mantas, cama…) como en Paja sobre tela. Su gama cromática ha oscilado entre el monocromatismo y colorido neutro con predominio de grises, negros, blancos y ocres y la inclusión de un colorido más vivo, con rojos, naranjas, rosas, amarillos y azules. A partir de la década de 1970 su obra presenta heterogeneidad estilística y, si bien sigue cultivando el informalismo, a veces presenta una realidad objetual integrada por la presentación de elementos cotidianos, por ejemplo en Materia gris en forma de sombrero. Tàpies ha sido considerado precursor del arte povera. Desde la década de 1950 su obra ha gozado de reconocimiento internacional, reflejado en el hecho de la organización de exposiciones sobre su obra por parte de grandes museos y galerías de arte del mundo entero. En 1958 recibió el Premio Carnegie y en 1967 el de la Bienal del Grabado de Ljubljana. Son también numerosos los estudios teóricos realizados por especialistas sobre su obra. Además, ha realizado cerámicas, tapices y esculturas, entre las que cabe destacar su mosaico de la plaza de Sant Boi de Llobregat (Barcelona), sus esculturas públicas Homenaje a Picasso y Núbol i cadira (Nube y silla), ambas inauguradas en Barcelona en 1990, y su polémico Calcetín (1992), de 18 m de largo. En 1990 se inauguró en Barcelona la Fundación Tàpies, creada por iniciativa del propio artista para fomentar y difundir el conocimiento del arte contemporáneo, así como para
ANTONIO TáPIES
Antoni Tàpies | ||||||
  | 7 min - 12 Nov 2007 - Antoni Tàpies (born in Barcelona, December 13, 1923) is a Spanish Catalan painter. He is considered a great master artist of the 20th century [citation ... www.youtube.com/watch?v=iw2dhHrRBNg | |||||
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