VASILY KANDINSKY
Monday, April 27, 2009
Vasíli Kandinsky
(Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.
Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.
Vasíli Kandinsky
(Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.
Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.
Composición Nº 8 (1923) de Kandinsy
Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.
Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.
Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.
Vasíli Kandinsky
(Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) Pintor de origen ruso, nacionalizado alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, muy especialmente por el arte propio de la región de Volodga, rico en ornamentos, también descubrió la obra de Rembrandt y Monet.
Cuando cumplió los treinta años, Kandinsky abandonó la docencia y fue a estudiar pintura a Munich, renunciando a un porvenir académico ya consolidado. En esta ciudad asistió a las clases de F. Stuck y en ellas conoció a Paul Klee, con el que mantendría una sincera y prolongada amistad. Su interés por el color está presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras pinturas la influencia del postimpresionismo, el fauvismo y el Jugendstil alemán.
Composición Nº 8 (1923) de Kandinsy
Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez, Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes alpinos entre los años 1908 y 1910. Tal como narra él mismo en su biografía, por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la riqueza cromática y la simplificación formal.
Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción. Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por los expresionistas alemanes de la órbita de Dresde, en una especie de síntesis teñida de lirismo, espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y sus formas.
Entre 1910 y 1914 Kandinsky pintó numerosas obras que agrupó en tres categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.
Negro y violeta (1924) de Kandinsky
En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter, organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910) y el Almanaque de Der Blaue Reiter, en el que, junto a dibujos y grabados de miembros del grupo, aparecían otras manifestaciones artísticas, como partituras de Schönberg (Kandinsky mantuvo una constante y fructífera relación con la música durante toda su vida) y muestras del arte popular e infantil.
Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú y allí emprendió varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del Comisariado Popular de la Educación. En 1917 se casó con Nina Andreievsky y cuatro años más tarde se trasladó con ella a Alemania para incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como profesor hasta poco antes de su disolución.
Exposición 2009 en París
Kandinsky al Museo Pompidou ! Reserve sus entradas
www.mosaicodiffusion.com/museos
Klee nació en Münchenbuchsee, cerca de Berna, Suiza, en una familia de músicos, de padre aleman y madre suiza. De su padre obtuvo la ciudadania alemana, que usaria toda su vida, dado que Suiza se negó a darle ciudadania durante su exilio en ese pais durante la persecución nazi. Estudió arte en Múnich con Heinrich Knirr y Franz von Stuck. Klee trabajaba en óleo, acuarela, tinta y otros materiales, generalmente combinándolos en un solo trabajo. Sus cuadros frecuentemente aluden a la poesía, la música y los sueños, y a veces incluyen palabras o notas musicales.
Al regresar de un viaje a Italia, se asentó en Múnich, donde conoció a Vasili Kandinski, Franz Marc y otras figuras de vanguardia, y se asoció al Blaue Reiter.
El Blaue Reiter [editar]
En 1911 Wassily Kandinsky y Franz Marc fundaron en Múnich un grupo de artistas vinculado al expresionismo. Paul Klee no era oficialmente miembro de esta asociación, pero con todo se sentía muy unido al círculo de artistas que la integraban y participó en sus exposiciones. Entre los miembros del Blaue Reiter se contaban August Macke, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin. Todos compartían un interés por el arte gótico y primitivo y por los movimientos modernos del fauvismo y el cubismo. El nombre del grupo se deriva de una obra pictórica de Kandinsky de 1903 que a partir de 1912 sirvió de ilustración para los títulos de un anuario con ese mismo nombre. La primera de las dos exposiciones del Blaue Reiter se inauguró el 18 de diciembre de 1911 y permaneció en la Galería Moderna de Heinrich Thannhauser, en Múnich, hasta el 1 de enero de 1912. En ella se incluyeron 49 obras de Henri Rousseau, Albert Bloch, Heinrich Campendonk, Robert Delaunay, Kandinsky, Klee y Macke. Tras este período, la exposición inció su itinerancia por otras ciudades alemanas, entre ellas Colonia y Berlín.
Viajes [editar]
En 1914, visitó Túnez y quedó impresionado con la calidad de la luz del lugar, por lo que escribió en su diario:
"El color me posee, no tengo necesidad de perseguirlo, sé que me posee para siempre... el color y yo somos una sola cosa. Yo soy pintor."
Al regresar de un viaje a Italia, se asentó en Múnich, donde conoció a Vasili Kandinski, Franz Marc y otras figuras de vanguardia, y se asoció al Blaue Reiter.
El Blaue Reiter [editar]
En 1911 Wassily Kandinsky y Franz Marc fundaron en Múnich un grupo de artistas vinculado al expresionismo. Paul Klee no era oficialmente miembro de esta asociación, pero con todo se sentía muy unido al círculo de artistas que la integraban y participó en sus exposiciones. Entre los miembros del Blaue Reiter se contaban August Macke, Gabriele Münter y Marianne von Werefkin. Todos compartían un interés por el arte gótico y primitivo y por los movimientos modernos del fauvismo y el cubismo. El nombre del grupo se deriva de una obra pictórica de Kandinsky de 1903 que a partir de 1912 sirvió de ilustración para los títulos de un anuario con ese mismo nombre. La primera de las dos exposiciones del Blaue Reiter se inauguró el 18 de diciembre de 1911 y permaneció en la Galería Moderna de Heinrich Thannhauser, en Múnich, hasta el 1 de enero de 1912. En ella se incluyeron 49 obras de Henri Rousseau, Albert Bloch, Heinrich Campendonk, Robert Delaunay, Kandinsky, Klee y Macke. Tras este período, la exposición inció su itinerancia por otras ciudades alemanas, entre ellas Colonia y Berlín.
Viajes [editar]
En 1914, visitó Túnez y quedó impresionado con la calidad de la luz del lugar, por lo que escribió en su diario:
"El color me posee, no tengo necesidad de perseguirlo, sé que me posee para siempre... el color y yo somos una sola cosa. Yo soy pintor."
PAUL KLEE
TRANSICION DE LA LINEA DE PAUL KLEE:DE LA MAESTRIA DEL DIBUJO A LA LIBERTAD GEOMETRICA DE LA FORMA.
Sunday, April 26, 2009
Paul Klee - Paintings
2 min 58 s - 3 Abr 2007 -
OBSERVEN LA COMPOSICION, COLOR Y LA INTERPRETACION DEL OJO DE KLEE
PAULA MARTINS
¿Cuál ha sido el mayor aprendizaje en estos treinta años de pintar?
El mayor aprendizaje el haber recorrido desde esos bancos y negros que era pura tinta china como único material que tenía a la mano y logré dominar, y haber pasado de eso a utilizar otros materiales. En treinta años, de la tinta china me brinqué al color, un paso al que le temía y que al final lo di. En el color descubrí los diferentes materiales que podía utilizar; acuarelas, acrílico, tintas chinas, el papel y después el poder estar trabajando sobre tela, trabajar de pequeñas dimensiones a finalmente con dimensiones más grandes. Ha sido un proceso, un camino muy largo pero que finalmente he ido caminando.
¿A qué se aspira cuando se necesita crear, a qué emociones se obedece?
Primero tienes que estar dispuesto, sentir una necesidad y después enfrentarte al proceso. Lo más importante es concentrarse en lo que a uno le gusta hacer, y concentrarse en los materiales que se tienen a la mano y ver qué es lo que puedes decir y expresar con ellos.
¿Cómo se eligen los temas?
Nunca voy a un trabajo con un tema predeterminado, más bien dejo que el material y la técnica me conduzcan. Lo que voy haciendo es tratando de provocar ciertos espacios, ciertas líneas, imágenes y dibujos, al final busco explicaciones para esas cosas que estuve haciendo. De repente hay frases, palabras que asocio con lo que hice, de ahí surgen los títulos y definiciones.
Entrevista con Paula Martins, autora invitada en la sección La Fundación de la Mirada
Por Carlos Sánchez
El mayor aprendizaje el haber recorrido desde esos bancos y negros que era pura tinta china como único material que tenía a la mano y logré dominar, y haber pasado de eso a utilizar otros materiales. En treinta años, de la tinta china me brinqué al color, un paso al que le temía y que al final lo di. En el color descubrí los diferentes materiales que podía utilizar; acuarelas, acrílico, tintas chinas, el papel y después el poder estar trabajando sobre tela, trabajar de pequeñas dimensiones a finalmente con dimensiones más grandes. Ha sido un proceso, un camino muy largo pero que finalmente he ido caminando.
¿A qué se aspira cuando se necesita crear, a qué emociones se obedece?
Primero tienes que estar dispuesto, sentir una necesidad y después enfrentarte al proceso. Lo más importante es concentrarse en lo que a uno le gusta hacer, y concentrarse en los materiales que se tienen a la mano y ver qué es lo que puedes decir y expresar con ellos.
¿Cómo se eligen los temas?
Nunca voy a un trabajo con un tema predeterminado, más bien dejo que el material y la técnica me conduzcan. Lo que voy haciendo es tratando de provocar ciertos espacios, ciertas líneas, imágenes y dibujos, al final busco explicaciones para esas cosas que estuve haciendo. De repente hay frases, palabras que asocio con lo que hice, de ahí surgen los títulos y definiciones.
Entrevista con Paula Martins, autora invitada en la sección La Fundación de la Mirada
Por Carlos Sánchez
VISITA DE LA MAESTRA PAULA MARTINS AL ESTUDIO.
EL GRUPO SE ENTREGO A CONVERSAR CON LA MAESTRA SOBRE SU OBRA Y VIDA.
PAULA MARTINS COMPARTIO LA MANERA EN QUE SE APROXIMA A SU TRABAJO AL IGUAL DE LAS EXCENTRICIDADES DE SU PERSONAJE FRENTE A SU OBRA.
SE PODRIA LLAMAR A LA MAESTRA MARTINS UNA ARTISTA CON GRAN CONCIENCIA ECOLOGICA. NO HAY OBJETO O CIRCUNSTANCIA QUE ELLA NO UTILICE PARA SU TRANSFORMACION PLASTICA.
Thursday, April 16, 2009
FAUVISMO
El Salón de Otoño de 1905 que se celebró en París se vio sacudido por un terremoto de luz y color: una de sus salas se reservó para un grupo encabezado por Matisse, Derain y Vlaminck. Los lienzos que presentaron ostentaban, orgullosos, gamas cromáticas estridentes y agresivas, hasta tal punto que de allí salieron como el grupo de los Fauves, que en francés significa "las fieras". Nunca estuvieron muy cohesionados como grupo, puesto que jamás siguieron unos postulados determinados, ni realizaron un manifiesto programático.
Las similitudes formales y la intención rompedora fue lo que les agrupó, efímeramente. Sus temas eran más afines al naïf de Rousseau que a los expresionistas, con los cuales se compenetraban perfectamente en el aspecto formal. Sus temas son inocuos, bucólicos, retratos, interiores, visiones idílicas del hombre en la naturaleza, paisajes hermosos... Su realización es muy colorida y atrevida: es una explosión de colores violentos y arbitrarios, en disonancia deliberadamente calculada. Tratan de transmitir una reacción emotiva del pintor ante el tema elegido. No buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno, lo que les aproxima a la estética Art Nouveau. El fauve más destacado fue Matisse, que se caracteriza por su sencillez casi infantil. Desprecia la perspectiva y el modelado en favor de las tintas planas, y su decorativismo resulta bárbaro en su osadía.
La espontaneidad calculada de su pintura busca la conexión inmediata con el espectador, para transmitirle la emoción anímica del artista cuando realizó la obra. El hecho de no haberse definido como grupo dotó de una vida efímera al movimiento fauve, que en 1908 se disuelve, siguiendo cada uno de sus miembros caminos divergentes.
AUTORRETRATO DE PICASSO Y MATISSE
MATISSE Y PICASSO VIVIERON UNA COMPETENCIA CREATIVA QUE SERVIA PARA MEDIRSE UNO AL OTRO FRENTE A SI MISMOS. EL ARTE FUE SU CAMPO DE JUEGO Y DE BATALLA. LA HISTORIA SU TESTIGO.
Matisse vs. Picasso: duelo artístico en Nueva York
'Matisse - Picasso', exposición que acoge el MoMA de Nueva York del 13 de febrero al 19 de mayo, une las mejores piezas de dos gigantes del arte moderno que dieron lugar a muchos de los movimientos pictóricos y escultóricos del siglo XX. A través de 130 obras procedentes de más de 80 colecciones, la muestra da la oportunidad de comparar y contrastar el sello colorista de Matisse y la abstracción y cubismo de Picasso, además de trazar los estilos cambiantes de ambos y la forma en que se nutrieron el uno al otro durante casi medio siglo. Los dos artistas comenzaron una relación de amor-odio que duró hasta la muerte de Matisse, en 1954, y cuya influencia puede apreciarse con claridad en las obras escultóricas de Picasso a partir de los años 60.
CUANDO EL ARTISTA ESTA VIVO EN UNA PERSONA, SEA CUAL SEA SU TIPO DE TRABAJO, SE CONVIERTE EN UN SER INVENTIVO, INDAGADOR, OSADO, EXPRESIVO. SE HACE INTERESANTE PARA LOS DEMAS. PERTURBA, MOLESTA, ILUMINA Y ABRE CAMINOS PARA UNA MEJOR COMPRENSION. ALLI DONDE LOS QUE NO SON ARTISTAS INTENTAN CERRAR EL LIBRO, EL LO ABRE Y DEMUESTRA QUE AUN HAY MAS PAGINAS POSIBLES.
CONVERSACIONES CON MATISSE
GERTRUDE STEIN LE PREGUNTO A HENRI MATISSE SI CUANDO SE COMIA UN TOMATE LO MIRABA DEL MODO COMO LO MIRARIA UN PINTOR. MATISSE CONTESTO:-NO, CUANDO ME COMO UN TOMATE LO MIRO COMO LO MIRA CUALQUIER PERSONA. PERO CUANDO PINTO UN TOMATE, LO VEO DE DIFERENTE MANERA.
Monday, April 13, 2009
Sunday, April 5, 2009
Lucian Freud
Lucian Freud, OM (Berlín, 8 de diciembre de 1922) es un pintor y grabador británico, nieto de Sigmund Freud padre del psicoanálisis, y hermano de Clement Freud. La familia Freud emigró al Reino Unido en el año 1933, recibiendo la nacionalidad británica en 1939. Durante este periodo estudió en el Dartington Hall School en Totnes, Devon, y después en el Bryanston School.
Estuvo estudiando durante un breve período de tiempo en la Central School of Art de Londres y después con mucho éxito en la Cedric Morris's East Anglian School de Pintura y dibujo en Dedham. Se alistó como marino mercante en un convoy del Atlántico Norte en 1941 antes de serle invalidado su servicio en 1942. En su primera exhibición individual, en la Lefevre Gallery de 1944, se expuso su celebrado cuadro "El Cuarto del Pintor". Para el verano de 1946, viajó a Paris antes de continuar a Italia por varios meses. Desde entonces vive y trabaja en Londres.
Las primeras pinturas de Freud a menudo están asociadas con el surrealismo y muestran personas y plantas en yuxtaposiciones inusuales. Estos trabajos están usualmente hechos con pintura muy fina y a partir de los años 1950 empezó a realizar retratos, muy a menudo desnudos, sin nada más, utilizando la técnica del empasto. Los colores son a menudo neutros.
Los temas de Freud son personas y sus vidas; amistades, familia, colegas, amantes y niños. En contadas ocasiones acepta retratos por encargo. Como él mismo dice en sus memorias: "Pinto gente, no por lo que quisieran ser, sino por lo que son".
Su cuadro "Después de Cezanne" es notable por su forma inusual y el alto precio que pagó la Galería Nacional de Australia, de $ 7.4 millones de dólares americanos. Un retrato de pequeño formato de la reina Isabel II causó controversia, al mostrarla tan envejecida (o más) de lo que es. La prensa británica publicó críticas contrapuestas sobre él.
Pintor de producción no demasiado extensa y sumamente cotizado ahora, cuenta con apenas tres ejemplos en España: dos en el Museo Thyssen-Bornemisza (uno de ellos, un retrato del fallecido barón Thyssen), y otro retrato del barón, de mayor formato, que al parecer lo heredó su hija Francesca. En museos de latinoamérica, hay que citar dos pinturas en el MUNAL de México y una en MALBA de Argentina.
EL PINTOR DIBUJA CON LOS OJOS, NO CON LAS MANOS.
SEA LO QUE SEA QUE VE, SI LO VE CON CLARIDAD, PUEDE DIBUJARLO. EL DIBUJARLO REQUIERE TAL VEZ MUCHO ESMERO Y TRABAJO, PERO NO MAS AGILIDAD MUSCULAR QUE LA QUE NECESITA PARA ESCRIBIR SU NOMBRE, VER CLARO ES LO IMPORTANTE.
MAURICE GROSSER The painter's Eye
CON EL FIN DE VER DE VERDAD, DE VER CON MAS PROFUNDIAD AUN, CON MAS INTENSIDAD, Y POR TANTO PARA ESTAR TOTALMENTE CONSCIENTE Y VIVO, DIBUJO LO QUE LOS CHINOS LLAMAN "LAS DIEZ MIL COSAS" QUE ME RODEAN.EL DIBUJO ES LA DISCIPLINA POR MEDIO DE LA CUAL CONSTANTEMENTE REDESCUBRO EL MUNDO.
He descubierto que lo que no he dibujado no lo he visto nunca, y que cuando comienzo a dibujar una cosa corriente comprendo lo extraordinaria que es, un milagro puro.
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