El Museo del Louvre, arte privado, arte público
16-04-2008 | Mª José Rubin


Refaccionado, ampliado, mejorado y reconstruido en numerosas ocasiones, el palacio del Louvre guarda entre sus muros dos joyas de valor incalculable: el acervo de piezas de arte más visitado del mundo y la historia del tránsito de las colecciones privadas a las colecciones públicas a que dio paso la Revolución.

Palacio de Louvre, Par�s, Francia

Originalmente, el Louvre era una fortaleza del siglo XII. Carlos V acumuló allí sus colecciones artísticas, imprimiéndole un matiz radicalmente diferente. Más tarde, Francisco I y Enrique II planearon las reformas que lo convirtieron en una residencia real renacentista. Catalina de Médicis –quien supo disputarle a Diana de Poitiers el magnífico Chenonuceau, en el valle del Loira– bosquejó el proyecto que, continuado por Enrique IV, hizo del Louvre el soberbio palacio que es hoy en día.

Pero la construcción del Palacio de Versalles, a pedido de Luis XIV, hizo caer al Louvre en desuso. En el siglo XVIII se le encomendó una nueva misión, siendo ocupado por la Academia Francesa. Numerosas exposiciones anuales de la Academia de Pintura y Escultura tuvieron lugar entre sus muros.

En 1792, las colecciones de la corona fueron instaladas allí. El 8 de noviembre del año siguiente, en plena Revolución Francesa, las puertas del palacio fueron abiertas al público, en calidad de museo. Así, el Louvre se constituyó en precedente de todos los grandes museos nacionales europeos y norteamericanos.

La última modificación introducida al Louvre ocurrió en 1989. La gran pirámide de cristal diseñada por Ieoh Ming Pei fue objeto de polémica durante el mandato del presidente Mitterrand, al igual que supo serlo el Centro Pompidou. Con una altura de 21 metros y medio aproximadamente, fue pensada como solución para las largas colas de gente que se formaban a diario para visitar el museo, además de añadir nuevos espacios de exposición. Su modernidad de vidrio contrasta con el clasicismo del museo de una forma asombrosa que, pese a las opiniones a favor y en contra, resulta una vista única en una ciudad de por sí mágica.

MOMA MUSEO DE ARTE MODERNO EN NUEVA YORK

MUSEOS Pompideu PARIS

MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA

MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA
PARIS Y MADRID

TALLER

TALLER DE ARTISTAS INDEPENDIENTES

BILL VIOLA

Bill Viola nace en 1951 en Nueva York. La vocación artística le surge ya en su infancia. Realiza sus estudios de arte en la Universidad de Siracusa, centro pionero en la utilización de nuevos medios de expresión. En aquel momento, el arte de épocas pasadas no despertaba en él interés alguno. A principios de los años 1970, el videoarte buscaba su lugar como forma artística autónoma y Viola fue testigo y partícipe de este proceso, influenciado por Bruce Nauman, Peter Campus, Vito Acconci, Nam June Paik, Frank Gillette, Ira Zinder, Juan Downey.

A finales de los años 1970 y principios de los años 1980, sus ideas y su capacidad técnica experimentan un impulso, debido en parte al desarrollo de los medios audiovisuales y a su propia evolución en el plano personal. Su perspectiva vital da un giro; como él mismo explica:

Para mí, el paso de las ideas sobre perfección social a la idea de autoperfección constituyó un momento muy decisivo. Adopté esta idea, integrándola con la performance y el body art y partir de entonces he trabajado con ella (Walsh, John (ed.). Bill Viola: Las Pasiones (cat.exp). Textos de Peter Sellars y John Walsh. Conversación de Hans Belting y Bill Viola. Fuentes y notas de Bill Viola, Madrid, Fundación “la Caixa”, 2004, pág. 13.)

Este cambio fue motivado por su descubrimiento de la religiosidad oriental (budismo, pensamiento zen, sufismo,…) y de los místicos cristianos (San Juan de la Cruz), en lo que parece una búsqueda de una espiritualidad transversal.

Su inquietud espiritual le llevó a viajar por todo el mundo, realizando numerosas grabaciones, como Chott El-Djerid (A Portrait in Light and Heat), en el desierto de Túnez o Hatsu Yume, en Japón. En uno de sus múltiples viajes, conoció a la fotógrafa Kira Perov, que se convertiría en su mujer, apoyo fundamental en su carrera.

Son las vídeo instalaciones la parte más conocida de la obra de Viola. En ellas, aparecen de manera recurrente representaciones oníricas y temas como los ciclos vitales, el nacimiento o la muerte.

En su proceso de maduración, surge en él un interés creciente por el arte de periodos anteriores, y, específicamente, por el arte tardomedieval y renacentista. La muerte de su madre, que fue para el artista una experiencia extremadamente dolorosa, acentuó aún más su inclinación por lo espiritual, particularmente por su expresión en la pintura de dichas épocas.

Entre sus exposiciones, destacan Hatsu Yume, en Japón, y Bill Viola. Las Horas InvisiblesCentro Andaluz de Arte Contemporáneo, en la Alhambra de Granada (España). En 2005, la Fundación La Caixa expuso en Madrid y otras ciudades españolas las piezas más destacadas de su proyecto dedicado a Las Pasiones. organizada por el

BILL VIOLA BIENAL DE VENECIA 2007

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Bill Viola - An Ocean Without a Shore

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deejayhart

VIDEO ARTE

ENCUENTRO CREATIVO DEL MARTES

EL DESARROLLO DE UN OBSERVADOR PUEDE SERVIR ENORMEMENTE A LA PERSONA PARA CONTEMPLAR DIFERENTES ESTADOS DE IDENTIDAD; UN OBSERVADOR EXTERNO PODRIA DETECTAR CON BASTANTE CLARIDAD LOS DIFERENTES ESTADOS DE IDENTIDAD, PERO ES POSIBLE QUE LA PROPIA PERSONA, QUE NO HA DESARROLLADO MUY BIEN LA FUNCION DEL OBSERVADOR, NO ADVIERTA NUNCA LAS MUCHAS TRANSICIONES DE UN ESTADO DE IDENTIDAD A OTRO.
Charles T. Tart
Alternative States of Consciousness

SI UNA CIERTA ACTIVIDAD, LA PINTURA, POR EJEMPLO, SE CONVIERTE EN EL MODO HABITUAL DE EXPRESION, PODRIA SEGUIRSE QUE COGER LOS MATERIALES DE PINTURA Y COMENZAR A TRABAJAR CON ELLOS ACTUA DE MODO SUGESTIVO E INDUCE UN VUELO HACIA EL ESTADO MAS ELEVADO.
ROBERT HENRI
The Art of Spirit

Shonibare, Yinka
Londres, 1962

Artista británico. Se trasladó junto a sus padres de origen nigeriano a Lagos, la capital del país cuando sólo tenía tres años. Estudió Arte en la Byam Shaw School of Art y en el Goldsmiths College de Londres. Con sus obras, Shonibare intenta crear un debate sobre temas sociales, culturales y políticos que conforman y construyen la identidad del ser humano como la raza o la clase social. En sus creaciones, explora todo tipo de géneros desde la pintura hasta la escultura, la fotografía o la instalación. Sus piezas están a medio camino entre las ideas estereotipadas del arte occidental y las categorías tradicionales del arte africano creando una serie de obras que traspasan las fronteras del diseño, de la etnografía y del arte actual. Su producción se basa a menudo en obras de arte famosas o momentos históricos del pasado como el Barroco o la Inglaterra Victoriana. Los personajes de sus videos e instalaciones aparecen ataviados con tejidos similares a los que se fabricaban antiguamente en África, remitiendo así al pasado colonial con un fuerte sentido del humor y crítica social. Su primera exposición individual se celebró en la Stephen Friedman Gallery de Londres en 1997 y fue nominado al Turner Prize en 2004 por su exposición "Double Dutch" en el Museo Boijmans Van Beuningen de Rotterdam. En la actualidad, vive y trabaja en Londres.

YINKA SHONIBARE

ARTE DEL SIGLO XX1/ LA VANGUARDIA

YINKA SHONIBARE

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"Art:21—Art in the Twenty-First Century" Season...

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art21org

LA MUJER EN LA HISTORIA DEL ARTE

ARTEMISA GENTILESCHI

ARTEMISA GENTILESCHI

04:51 - 1 year ago

Artemisia Gentileschi - Agnes Merlet

03:27 - 2 years ago youtube.com

From Agnes Merlet. ... Artemisia Gentileschi Agnes Merlet ...

youtube.com

DAVID BOWIE

ENTREVISTA CON DAVID BOWIE

DAVID BOWIE : UN GRAN COLECCIONISTA DE OBRA , UN HOMBRE RENACENTISTA: MUSICO, ACTOR DE CINE Y TEATRO, GRAN LECTOR E INVESTIGADOR MISTICO ADEMAS PINTOR. AQUI UNA DE LAS OPINIONES SOBRE SU LABOR CREATIVA. The David Bowie Story: Part 4/8 Part 4,

MUSICA

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CANTANTE: NARDIZ COOKE
INSTRUMENTOS: GIOVANNI ESCALERA

[TRANSLATED] Sweet Electra - SER

Independent, Music Video from Sweet Electra

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MUSICA

NARDIZ COOKE Y GIOVANNI ESCALERA

a feeling

Fuente: www.youtube.com

Song from the new album WHEN WE WABANDONED EARTH by sweetelectra Rolita del nuevo disco de sweetelectra titulado WHEN WE ABANDONED EARTH

PRIMER LUGAR EN LA LISTA DE 100.9 FM MEXICO

Mark Rothko

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Nombre real	Marcus Rothkowitz
Nacimiento	25 de septiembre, 1903 Daugavpils, Letonia
Fallecimiento	25 de febrero, 1970 (67) Nueva York, Estados Unidos
Nacionalidad	Estadounidense
Área	pintor grabador
Educación	Universidad Yale
Movimiento	Expresionismo abstracto
Obras destacadas	"Black on Maroon" (1958)

Marcus Rothkowitz (25 de septiembre, 1903 – 25 de febrero, 1970) mejor conocido como Mark Rothko (en letón: Marks Rotko) fue un pintor y grabador nacido en Letonia, que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos. Ha sido asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto, a pesar de que en varias ocasiones expresó su rechazo a la categoría «alienante» de pintor abstracto.^[1] En 1925 inició su carrera como pintor en Nueva York de modo autodidacta. Hacia 1940 realizó una pintura muy similar a la obra de Barnett Newman y Adolph Gottlieb, próxima al surrealismo y plagada de formas biomorfas. A partir de 1947 su estilo cambió y comenzó a pintar grandes cuadros con capas finas de color. Al pasar los años la mayoría de sus composiciones tomaron la forma de dos rectángulos confrontados y con bordes desdibujados por veladuras.

Son frecuentes los grandes formatos que envuelven al espectador, con la finalidad de hacerle partícipe de una experiencia mística, ya que Rothko daba un sentido religioso a su pintura. Al final de su vida sus cuadros son de tonalidades oscuras, con abundancia de marrones, violetas, granates y, sobre todo, negros. Corresponde a esta época la capilla de la familia Ménil, en Houston, un espacio de oración donde catorce cuadros cubren un espacio octogonal.

MARC ROTHKO

Contraste simultáneo

Éste también puede incluirse dentro de las variables del color. Alude a la influencia recíproca de un color con relación a otro, a la capacidad que tiene un color de modificar a otro que se encuentra en su proximidad hacia su complementario.

Un mismo color situado sobre dos campos de color distintos se ve modificado en dos de sus variables, matiz y valor. Por ejemplo, un naranja situado sobre un campo verde se hace notoriamente más rojizo y por lo tanto más oscuro, ya que de su ubicación original dentro del círculo cromático se ve desplazado hacia el rojo. Si colocamos ese mismo color sobre un campo azul violáceo, observamos que se hace más amarillento y, por lo tanto, más luminoso, ya que dentro del orden determinado por el círculo cromático se desplazó hacia los amarillos (fig. 9).

Figura 9

Si colocamos un gris sobre un fondo anaranjado se oscurece, a diferencia de cuando lo colocamos sobre un rojo, donde se aclara (fig. 10).

Figura 10

Este cambio en la percepción se debe a un fenómeno fisiológico. Nuestra vista se satura del color que posee mayor área dentro del espacio y, en consecuencia, tiñe del complementario al color o colores que se encuentran en su proximidad. Así, en el primer ejemplo el campo verde tiñe de rojo al anaranjado y el azul violáceo de naranja amarillento (esto se puede corroborar si observamos la relación diametral de un color con respecto a otro dentro en el círculo cromático). En el segundo ejemplo el campo anaranjado tiñe de azul al gris y el rojo de verde (fenómeno que es apenas perceptible con relación a las variantes de valor).

VICENTE ROJO

Saturación

Se refiere al grado de pureza de un color y se mide con relación al gris. Los colores muy saturados poseen mayor grado de pureza y se presentan con más intensidad luminosa en relación con su valor. Los colores con menor saturación se muestran más agrisados, con mayor cantidad de impurezas y con menor intensidad luminosa (fig. 8).

Figura 8

En relación directa con la saturación se encuentra la diferencia proporcional entre el pigmento y el vehículo (medio solvente). A mayor cantidad de vehículo corresponde menor saturación y a mayor cantidad de pigmento con relación al medio, mayor saturación.

MATIZ,VALOR Y TONO

Variables del color

El matiz, el tono, el valor o luminosidad y la saturación son las cuatro variables básicas de un color y operan siempre simultáneamente.

Matiz

Es el croma de un color y depende de la longitud de onda dominante. Es la cualidad que permite clasificar a los colores como amarillo, rojo, violeta, etc. El matiz se mide de acuerdo con la proximidad que tiene un color con relación a otro que se halle próximo en el círculo cromático; por ejemplo: verde amarillento, naranja rojizo, azul violáceo, etcétera (fig. 6).

Figura 6

Valor o luminosidad

Indica las luminancias de un color; es decir, el grado de claridad u oscuridad que posee como cualidad intrínseca. Dentro del círculo cromático, el amarillo es el color de mayor luminancia y el violeta el de menor.

Independientemente de los valores propios de los colores, éstos se pueden alterar mediante la adición de blanco que lleva el color a claves o valores de luminancia más altos, o de negro que los disminuye.

Tono

Es la resultante de la mezcla de los colores con blanco o negro y tiene referencia de valor y de matiz. Por ejemplo, el amarillo mezclado con negro modifica su matiz hacia el verde y se oscurece (fig. 7).